10 Filmes recentes para serem admirados esteticamente:
1- O Grande Hotel Budapeste (Wes Anderson, 2014)
Todos os filmes de Wes Anderson têm a cinematografia impecável, dos curtas aos longas: da escolha e uso brilhantes da paleta de cores, da simetria característica do diretor, figurino, locações, live action ou animações... A verdade é que os trabalhos de Anderson todos merecem atenção, inclusive seu mais recente, A Ilha dos Cachorros – segunda animação que lança nos cinemas. Para ler a crítica que fizemos do filme, clique aqui.
2- Leviatã
Andrey Zvyagintesev não é um estranho aos Oscars, ambos Leviatã e Sem Amor (2017) foram indicados a Melhor Filme estrangeiro. Além da qualidade vista em roteiros profundos e de diversos níveis de interpretação, se há algo que todos os filmes do diretor contêm é qualidade estética. As locações e enquadramentos são impecáveis, o uso da cor dentro da semiótica de seus objetivos é sempre extremamente bem pensado e, claro, a dança de corpos de Zvyaginstesev faz em suas obras é perfeitamente harmoniosa e coreografada, trazendo momentos fortes e dramáticos muitas vezes através de recursos visuais.
3- A Forma da Água (Guillermo del Toro, 2017)
Del Toro felizmente recheia as grandes e pequenas telas com muita maestria há muito tempo: O Labirinto do Fauno (2006) já é uma grande prova do bom gosto estético do diretor, sempre muito feliz ao juntar elementos reais e fantasiosos em obras complexas. A Forma da Água foi indicado a melhor cinematografia nos Oscars de 2018 e não é por menos: o uso impecável de cores, a harmonização de objetos e props, a escolha das locações, a direção como um todo e, claro, o quão bem as atores se relacionaram e complementaram toda essa viagem do diretor, criam uma cinematografia mais do que digna de ser admirada.
4- Me Chame Pelo Seu Nome (Luca Guadagnino, 2017)
A paleta de cores tomada por tons terrosos e pasteis brinca com o romântico e o ingênuo, respeitando as demais demandas estéticas. A direção de arte do longa é quase um personagem: ela enche enquadramentos, reflete sutilezas e faz qualquer mesa de café da manhã parecer uma obra perfeitamente pintada. Nesse filme, todo quadro merece ser admirado.
5- La La Land: Cantando Estações (Damien Chazelle, 2016)
A cenografia do filme é estonteante e a cautela em que cada cena foi criada pode ser vista em qualquer enquadramento, especialmente quanto a cores e formas. A estética neoclássica criada, mistura muito bem objetos vintage com contemporâneos, imergindo o telespectador numa história atemporal. A meticulosidade na escolha de cores é de tirar o fôlego, talvez um dos pontos mais altos da produção: na grande maioria das cenas, todos os elementos conversam e fazem pontes entre si, criando harmonias extremamente agradáveis aos olhos. Vale notar, principalmente, como a roupa dos protagonistas combina com o ambiente e/ou contexto: no início do filme – primeira noite, por exemplo, Mia e Sebastian usam o mesmo tom de azul, que é o mesmo tom da noite. Significando não somente que ambos pertencem àquela cidade, como também um com o outro.
6- Demônio de Neon (Nicolas Winding Refn, 2016)
Todos os quadros de Neon Demon se parecem com obras de arte: as personagens perfeitamente coreografas; o mundo da moda glorificado, mas criticado. A escuridão tomada por pequenos pontos focais de cores, revelador, mas misterioso... Uma direção completamente sensual combinada com uma fotografia cheia de neons e brilhos que enchem os olhos e, sim, conversam perfeitamente com o conceito do filme e as semióticas de todas as cenas. É um filme sobre a obsessão com beleza e juventude que escreve na tela todos os seus objetivos durante todo o desenvolvimento.
7- O Regresso (Alejandro G. Iñarritu, 2015)
Apesar de não ser, particularmente, um filme sensacional, o filme tem locações maravilhosas e merece muitos créditos por ter sido filmado 100% em luz natural, sem artifícios. Ainda assim, consegue trazer à tona uma ambientação agoniante, cheia de tons frios de inverno, acompanhadas e assistidas pela brilhante direção de Iñarritu.
8- Boi Neon (Gabriel Mascaro, 2015)
O nordeste do Brasil, sempre representado com seus tons terrosos, secura e falta de vivacidade, ganha vida, cores e um carisma doloroso com essa obra de Mascaro. Quebrando alguns paradigmas estéticos do sertão do país, o diretor traz, nessa obra, uma equipe que não teve medo de ousar ao trazer colorização para uma terra seca e sofrida; ele escolhe representar – e muito bem – o povo do nordeste, que é cheio de suas peculiaridades, superstições e dotado de muita alegria e persistência. As cenas fantasiosas são um deleite à parte; uma alucinação complementar que transforma esse filme em algo poderoso e emocionante.
9- Os Oito Odiados (Quentin Tarantino, 2015)
Uma cabana, um inverno rigoroso e violência em suas mais diversas formas: essa é a fórmula para essa obra de Quentin Tarantino. O contraste do inverno com os interiores da cabine, inclusive, são muito interessantes, principalmente quanto a paleta de cores, que é sempre bem limitada nessa obra, mas diz muito sobre as cenas e os personagens, além da clara caracterização de época.
10- A Invenção de Hugo Cabret (Martin Scorcese, 2011)
O livro homônimo não apenas é uma ode sensacional ao cinema, mas é por si só um filme distribuído entre as páginas da belíssima novela gráfica de Brian Selznick, 2007. Quando Scorsese decidiu transformar essa obra literária em um longa metragem, já tinha um storyboard em mãos, pronto para ser usado e transformado numa viagem à história do mundo do cinema através dos olhos de uma criança e tudo é feito com muita maestria. O visual steam punk da estação antiga, dos trens e da própria Paris antigamente, os tons frios em contraste com os calorosos, nos momentos certos, os figurinos e os objetos.... Absolutamente tudo se junta numa harmonia gloriosa que traz à obra um ar maduro, mas nunca excludente ao público mais jovem.
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1- The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson, 2014)
Every Wes Anderson film has impeccable cinematography, from the short ones to the full-length ones: from the brillant choice and use of the colour pallet, the director's characteristic symmetry, costumes, locations, live action or animations… The truth is that Anderson’s works all deserve attention, including his most recent work, Isle of Dogs – second animation he releases into the movies. To read the review, click here.
2- Leviathan (Andrey Zvyaginstev, 2014)
Andrey Zvyaginstev is not a stranger to the Oscars, both Leviathan and Loveless (2017) were nominated to best Foreign Film. Besides the quality seen in the deeps scripts filled with many interpretation levels, if there’s anything the the works from the director have in common is aesthetical quality. The locations and framing are impeccable, the use of colour within the semiotic of his objectives is always very well thought of and, of course, the dance of bodies he does in his works are perfectly harmonious and choreographed, bringing up strong and dramatic moments many times due to visual resources.
3- The Shape of Water (Guillermo del Toro, 2017)
Del Toro happily fills up great and small screens with mastery for a while now: Pan’s Labyrinth (2006) is already great proof of the good visual taste of the director, always very happy when putting together real and fantasy elements in complex works. The Shape of Water was nominated to Best Cinematography to the 2018’s Oscars and it’s not a casual thing: the impeccable use of colours, harmonization of objects and props, the choice of locations, the direction as a whole and, of course, how well the actors related to all this trip, create a cinematography more than worth of admiration.
4- Me Chame Pelo Seu Nome (Luca Guadagnino, 2017)
The colour pallete taken by earthly and pastel colours play with romance and naivety, respecting the other aesthetical demands. The direction of art is almost a character itself: it fills framings, reflects subtlety and makes any breakfast table look like a perfectly painted work of art. In this film, every single scene deserves to be admired.
5- La La Land (Damien Chazelle, 2016)
The scenography of the film is dazzling and the caution in which each scene was made can be seen in any frame, especially when it comes to colours and shapes. The neoclassical aesthetic created, mixes up very well vintage objects with contemporary ones, immersing the viewer in a timeless tale. The meticulousness in the choice of colours is breath-taking, perhaps one of the highlights of the entire production: in most scenes every single element adds up and builds bridges between each other, creating extremely pleasant atmospheres. It is worth noticing specially how the characters’ clothes match the ambience and/or context: in the beginning of the Picture – first night, for example -, Mia and Sebastian wear the same tone of blue, which is the same as the night itself. Meaning not only that both of them belong to that city, but also with each other.
6- Neon Demon (Nicolas Winding Refn, 2016)
Every frame in Neon Demon looks like a work of art: the characters perfectly choreographed; the fashion world glorified, but criticized. The darkness taken by little focal splashes of colour, revealing, but mysterious… A completely sensual direction combined with a photography filled with neons and sparkles that fill the eyes and, yes, perfectly speak to the concept of the movie and every scene’s semiotic. It is a film about the obsession with beauty and youth that writes all over the screen its objectives during the entire development of the story.
7- The Revenant (Alejandro G. Iñarritu, 2015)
Even though this is not particularly a sensational film, the work as wonderful locations and deserves a lot of credit for being shot 100% in natural lighting, without artificial resources. Yet, it manages to bring up an agonizing setting filled with cold winter colours, assisted and accompanied by the brilliant directing by Iñarritu.
8- Neon Bull (Gabriel Mascaro, 2015)
Brazil's North East, always represented with its earthly tones, dryness and lack of vivacity, gains life, colours and a painful charisma with this work by Mascaro. Breaking some aesthetical paradigms from the “Sertão" (the specific backwoods of this place), the director brings in this work a team that wasn’t scared to be bold when bringing colourization to a dry and suffered land; he chooses to represent – and very well – the people of the North Eats, who are filled with uniqueness, superstitions and gifted with so much joy and persistence. The fantasy like scenes ate a delight apart from the rest; an additional hallucination that transforms this film in something powerful and touching.
9- The Hateful Eight (Quentin Tarantino, 2015)
A cabin, a rigorous winter and violence in its many forms: this is the formula for this Quentin Tarantino’s work. The contrast of the winter with the interiors of the cabin, including, are very interesting, especially when it comes to the colour pallet that it often very limited in this work, but says a lot about the scenes and the characters, besides the obvious time characterization.
10- A Invenção de Hugo Cabret (Martin Scorcese, 2011)
The namesake book is not only a sensational tribute to cinema, but is itself a film distributed between the pages of the beautiful graphic novel by Brian Selznick, 2007. When Scorsese decided to make this literary work into a full-length film, he already had a storyboard in hands, ready to be used and shaped into a trip to the history of cinema through the eyes of a child and everything is done beautifully. The steak punk like visual in the old stations, trains and old Paris itself, the cold colours in contrast with the warm ones in the right moments, the costumes and objects… Everything put together in a glorious harmonic way that gives this work a mature vibe, but never excluding from the younger audiences.
